Shuffle

Petit jeu amusant auquel je me livre souvent : un shuffle de ma discothèque : une petite fonctionnalité sympa sur Windows Media Player compose une playlist aléatoire. J'adore faire ça quand je fais du rangement, où en musique de fond quand j'invite des potes.
Le résultat est toujours étrange, les associations bizarres : du Wu-Tang Clan puis du Brel, de la country puis du ragga, etc... , parfois des miracles, des associations inattendues et superbes. Evidemment je me munis de la télécommande car souvent on peut tomber sur de smorceaux nuls ou inappropriés. Alors je zappe.

A short summary on English : it's about the pleasure of hitting the "Shuffle" button. The following list was made at random by my computer.

Alors je propose qu'on essaie, là tout de suite.
Témoignage une heure plus tard : une playlist qui a eu un peu de mal à démarrer, mais au bout d'une vingtaine de morceaux, un très beau passage, avec que de la bonne, que je ne peux m'empêcher de vous soumettre :

• Lauryn Hill - Doo Wop (1998)
  
• Digable Planets - Nickel Bags (1993)
• Earl Hooker - Wah Wah Blues (1968) : le cousin de John Lee était aussi un sacré guitariste, une influence citée par Jimi Hendrix
  Earl Hooker - Wah Wah Blues(buy)
• Ray Charles - Lonely Avenue (1956)
• Doc & Merle Watson - The Lawson Family Murder (1968) : pépite absolue. Doc watson est un guitariste aveugle et virtuose mélangeant country, folk et bluegrass, découvert sur le tard dans sa Caroline du Nord natale. Il chante ici avec son fils Merle (mort plus tar dans un accident de tracteur !!) une magnifique ballade traditionnelle. Ca a l'air tout doux comme ça, mais je vous conseille d'écouter les paroles : c'est juste un fait divers réel datant de 1929 où un bon père américain assassina sa femme et ses six enfants à coup de fusil de chasse...Tout l'album est de ce niveau.
Doc & Merle Watson - The Lawson Family Murder (buy)
• Screamin' Jay Hawkins - I Put A Spell On You (1956) : ultra-connu mais peu écouté, alors
  Screamin' Jay Hawkins - I Put A Spell On You (buy)
• Lee Perry : People Funny Boy (1968) : Lee Perry (il n'a pas encore ajouté le "Scratch") vient de fonder son propre label et sort ce superbe single : hit immédiat, et un des premiers morceaux à avoir été qualifié de reggae
Lee Perry - People Funny Boy (buy)

• Eminem : Remember Me ? (2000)
• The Knight Brothers : Temptation 'bout To Get Me (1965) : extrait de Chess Soul (voir post précédent)
• Camaron de la Isla : Bahia de Cadiz (1979) : Le prince du flamenco révolutionne le genre en y ajoutant des instruments et sonorités rock (ici une batterie et une basse)
  Camaron de la Isla - Bahia de Cadiz (buy)
  

La particularité de cette liste faite par le hasard ? Pas un seul morceau rock.

album of the week : Leadbelly : Huddie Ledbetter's Best

A very important album indeed.

Definitely one of the best for me. Not a compilation, rather a session recorded in Hollywood in 1944 by a fame-hungry Leadbelly who was very far away from home. Home was New York City, where he had settled down in the thirties, after his first recordings.

Huddie Ledebetter was from east Louisiana, in the Caddo Parrish. He first recorded when he was well in his forties. The man is famous for his legendary story (I wish I could write a novel about him). He was discovered while doing time in Angola prison farm in 1933 by ethnomusicologist John Lomax and his son Alan. It wasn't his first prison setence, but at least his third one (including one for murder in Texas). The legend has it that he sang his way out of prison. When the Lomaxes first met him at Angola, they recorded him singing a song asking Governor Pat Neff his grace. One year later he was freed, but Louisiana authorities always denied it was connected to the songs the Lomaxes had brought to the governor's office.

Check out his bio on AMG.

Anyway, Leadbelly is an amazing man, sort of human jukebox from the pre-history of music, who knew thousands of songs, some of them going back to the 19th century, novelty songs ("Irene"), working songs ("Take This Hammer"), blues ("Grasshoppers in my pillow"), prison songs ("The Midnight Special"), even children songs ("It's Christmas Day"). They're all delivered in a passionate way, with this powerful voice and 12-guitar strumming.

I really love this guy : on tape, when he speaks, he sounds gentle, caring. He loved to play for children and was a great entertainer. But he was also an ex-convict who had killed at least one man and badly injured another.

Leadbelly - Ella Speed(buy)

My favorite song is "Irene", and I can't resist posting my own version of it, well, our version that I recorded with my friend Adam in 2004. I beg your indulgence, it is just an amateurish demo we did for fun. I sing lead and play the acoustic guitar (Adma's Martin D-28), he plays the mandolin.

Nicolas & Adam - Irene

Another cover : Alvin Youngblood Hart - When I Was A Cowboy (buy)

And last but not least, let me wish you a merry Christmas with Lead :

Leadbelly - On A Christmas Day (buy)

This week's picks : Neil Young, Sigur Rós, Rachmaninov

Hi, sorry for updaing so late, but Internet is out of work at home and I can only post at the office during lunch breaks. So I'll update it from time to time.

No "album of the week", but three records I have heard. 2 are old relatives, one is a first listen.

Neil Young - Harvest (1972)

I first heard this one in 1988, or 87 (I was 17 or 18) when my friend Noel came back from Frisco with a pile of LPs, including this one and After The Goldrush. They are my two favorite NY albums, depending on the times : in my top 200 Harvest is ahead at the moment, but it may change...
I guess I fell in love at first listen. Harvest is an easy album, everybody can appreciate it, you don't need any knowledge or experience for that. I guess that's why some people don't like it, but I'll have to call that snobbism.


Instead of playing Heart Of Gold for the 100th time, I picked the title track, almost a traditional country number.

Neil Young - Harvest (buy)

For French speakers, here is an article in Telerama




Sigur Rós - Með suð í eyrum við spilum endalaust (2008)

Yes, I know... That means "With a Buzz in Our Ears We Play Endlessly". Tagged as "postrock" (which is nothing more than contemporary progressive rock), this fascinating Icelandic group is still well and alive with this 5th regular album studio, sounding as eerie as possible. They're progressive without being pretentious, and their music has this kind of organic feel and that ability to suspend time when you're listening to it. I don't know, but I find them more friendly than, say, Radiohead...
Sigur Rós - Festival (buy)

Rachmaninov /Andsnes/ Pappano : Piano Concertos 1 & 2

In France, Rachmaninov's piano concerto 1 is very famous because the first movement was the soundtrack of a TV show about books called "Apostrophes", that I watched when a was a teenager. Concerto nb 2 is more acclaimed, and it is beautiful from beginning to end. 2nd movemet is well-knowned because Eric Carmen stole the theme for his hit, "All By Myself". I think that Rachmaninov is indeed very close to pop music. I don't know why. And Ansnes is a great pianist, very sensitive, never showing off technically.
This is one of my favorite pieces of classical music. Unfortunately I didn't find the Ansnes version on Deezer, but this one by Nikolai Lugansky is excellent too.

Découvrez Nikolai Lugansky, Sakari Oramo & City of Birmingham Symphony Orchestra!

Et ta critique ? Femi Kuti : Day By Day (2008)

(avec etat-critique.com)

La fin de l'année approche, et les inévitables bilans commencent à pleuvoir. On en reçoit tous les jours à acclaimedmusic : les fameuses listes des meilleurs albums de 2008.

la critique étant toujours très porté sur le rock branché, on y trouve plus ou moins les mêmes artistes : MGMT (pas mal), Bon Iver (bof), Vampire Weekend (bien), Fleet Foxes (très très bien), Portishead (déprimant).

Je suis personnellement loin d'avoir écouté tout ce que je voulais de 2008, mais ça avance, et je vous donnerai sans doute mon top 10 (ou 20) en janvier 2009.

En tous cas, un qui va bien figurer, c'est l'ami Femi Kuti, auteur d'un fantastique album, dont voici la critique que j'ai publiée sur état du même nom :

La critique

Day By Day
Femi KUTI (2008, Believe)

L'aîné des Kuti (46 ans tout de même) couronne une riche année nigériane avec ce splendide album très abouti, se posant en à la fois en héritier et en modernisateur de l'afro-beat paternel.

Décidément, le Nigéria nous a gâtés, cette année. Superbes compilations de la fabuleuse scène locale des années 70 (Nigeria Rock Special, Highlife Time), bon album de Keziah Jones, victoire d'Asa au prix Constantin. Et puis aussi, et non des moindres, deux albums en provenance de la famille Kuti.
Le plus jeune fils de Fela, Seun, sortait en début d'année son premier essai, accompagné du groupe de son père, Egypt 80 (voir chronique sur notre site). Quelques mois plus tard, c'est l'aîné, Femi, qui l'imitait.
Ces deux-là s'ignoraient jusqu'en 2007. Une rivalité qui vient de leurs mères respectives, jalouses l'une de l'autre, et à laquelle ils ont fini par mettre fin l'année dernière. On les a même vu partager en 2008 la même affiche, celle du festival de Montreal.
Femi a reçu de son père le même enseignement rigoureux que son demi-frère (qui a presque 20 ans de moins que lui). Mais Fela l'a vite incité à voler de ses propres ailes, ce qu'il a fait dès 1986, fondant Positive Force, un groupe qui l'accompagne toujours, et réalisant 3 albums jusqu'en 2001. Depuis, on avait peu de nouvelles. Femi s'était replié à Lagos où il dirige un club, et vivait isolé. Il circulait même les plus inquiétantes rumeurs sur sa santé mentale.
Une chose est sûre : Femi les fait taire, et de la plus belle manière qui soit, en sortant cette année cet excellent Day By Day.
Si Seun reprend avec une belle énergie la formule de son père, Femi s'en démarque un peu plus, sans verser non plus, comme dans ses précédent opus, dans le hip-hop ou l'electro. La musique qu'il nous propose est véritablement africaine, c'est bien de l'afro-beat, ce mélange de funk, jazz et highlife (musique du Ghana et du Nigéria des années 60-70) avec des textes à fort contenu politique. Femi y ajoute toute la culture musicale qu'il a accumulée en Europe et en Afrique, des éléments de reggae (Eh Oh), de free jazz et surtout de soul psychédélique seventies. Par rapport à son demi-frère, les tempos sont moins frénétiques, plus variés. Instrumentalement, c'est un vrai régal : une section de cuivres époustouflante (sur Tension Grip Africa ou Democrazy), des nappes d'orgue Hammond, des pianos Fender Rhodes, des guitares avec ou sans wah-wah, des percussions, deux batteurs, des chœurs, un groupe ultra-soudé de 13 musiciens, qui doit être impressionnant sur scène, à la fois généreux et carré.
La production de Sodi, qui avait déjà dirigé Fela, est exemplaire. C'est vraiment ce qui frappe au premier abord, mais ensuite viennent les chansons, plus courtes que celles de son père (qui parfois frisaient la demi-heure, tout de même). Chacune se dégage par un thème mélodique ou un tempo distinct comme les trois temps du morceau-titre ou le riff de basse de You Better Ask Yourself. Femi joue de l'orgue, de la trompette (il dit avoir beaucoup bossé ces deux instruments), du sax, bien sûr, et il chante, d'une voix enfin assurée, pleine, qui rappelle de manière troublante celle de son père.
Les textes, comme chez Seun, reprennent la flamme revendicatrice du pater, révolte et ras-le-bol face à la situation inchangée de Lagos et du Nigeria, pays riche en pétrole mais fausse "democrazy" pourrie par la corruption généralisée. Malgré les menaces et les campagnes de calomnie dont il font eux-mêmes l'objet, Femi et Seun, désormais réunis, restent à Lagos et continuent à chanter un autre Nigéria. Seun a appelé à boycotter l'élection présidentielle frauduleuse de 2007, et Femi règne sur l'Africa Shrine, club la nuit, et centre culturel gratuit le jour. Les chiens ne font pas des chats, ce qui en yoruba donne "le fils du lion reste un lion".

A brief summary for non-French speakers : Femi just released the best record by a Kuti sonce, let's say, 1981 and the last of his dad's masterpieces. It is jazzy, groovy, funky, and very African at the same time. Femi carries on with the afro-beat tradition, but with a very personal touch : shorter songs, great variety of beats, great musicianship, and that generosity that only African musicians can have. Plus he sings in a manner that reminds me of Bob Marley. To me it is definitely one of the top 5 records of 2008, if not the number 2 (behind Fleet Foxes).

Les compléments

Un extrait ?

Femi Kuti - You Better Ask yourself (buy)

Bande annonce de l'album / Album teaser

Une source que j'ai utilisée pour l'article : très bon papier de l'Express

Album of the week : The All Time Greatest Hits of Roy Orbison

Roy O was a genius. The first real romantic rock'n roll singer, and one of the greatest voices.
And a great songwriter too. From 1960 to 1964 (a very short perio and one of the worst of rnr history) he cut a string of unbelievable hits.
His most popular, "O Pretty Woman", is not so representative of his work. If you want the best of Roy Orbison, pick the ballads : "Only The lonely", "In Dreams", "It's Over", "Crying, Running Scared", "Blue Bayou"...
All about loneliness, lost love, yearning (and the collateral sexual frustration).
If you have no idea about his life, check his bio on AMG. Here's a good extract :

What he lacked in charisma and photogenic looks, Orbison made up for in spades with his quavering operatic voice and melodramatic narratives of unrequited love and yearning. In the process, he established rock & roll archetypes of the underdog and the hopelessly romantic loser. These were not only amplified by peers such as Del Shannon and Gene Pitney, but also influenced future generations of roots rockers such as Bruce Springsteen and Chris Isaak, as well as modern country stars the Mavericks.

Now just for you, her's a video from A Black And White Night Live, a DVD and album from 1989 and this beautiful version of Running Scared (You'll notice he's backed a very admirative Boss and Elvis Costello among others). the contrast between his body and his voice is stunning.


Buy the DVD

Roy Orbison avait aussi cette immense qualité d'être tout simplement un type en or, gentil, serviable, et ce malgré les multiples drames qu'il a vécu (perte de sa femme dans un accident de moto puis de 2 de ses fils dans un incendie). Star malgré lui, puisqu'après ses premiers succès rockabilly chez Sun, il avait décidé d'écrire pour les autres (un crime, avec une voix pareille). Heureusement, il fut obligé d'enregistrer lui-même "Only The Lonely", que les Everly Brothers lui avaient refusé. La chanson fut numéro 2 au Billboard, et la vraie carrière de Roy Orbison le chanteur romantique commençait.
On reparlera de lui dans quelques semaines, quand on abordera l'année 1989 qui fut celle de son grand retour, enfin, posthume, puisqu'il est mort en décembre 1988.
voici une de ses plus belles ballades, tirée du même concert que la vidéo ci-dessus.
Comme le dit Philippe Auclair dans le Dictionnaire du rock, " Il n'était ni un Presley, ni un Lenoon, mais un homme ordinaire, humble, délicat, facile d'accès, doté d'un caractère dont la générosité était devenu une légende dans le monde des musiciens (...) orbison appartenait à une race rarissime, pour laquelle les limites imposées par le rock étaient devenues un vaisseau sprituel, et profondément humain".

Roy Orbison - in Dreams (buy)

les meilleurs albums de 1988 (1)

Hello,

C'est avec beaucoup de prudence que je lance mon post spécial 1988, puisque la version 1987 avait été effacée à la demande d'Univers Sale pour cause de mise en ligne de titres des Guns n' Roses.

Pourquoi 1988 ? Parce que sur le forum d'Acclaimedmusic on fait tous les mois des sondages sur les albums années 80 et qu'octobre était consacré à 88. J'en profite à chaque fois pour publier une chronique de mon préféré sur etat-critique.

Assez bonne année, d'ailleurs, où tout ce qui fera les années 90 est déjà en germe (rap, renouveau country, grunge et indie, electro, revival 70's aussi).

Un petit récapitulatif de mes préférés des éditions précédentes ?

1981 : Soft Cell - Non-stop Erotic Cabaret (chronique)

1982 : Bruce Springsteen - Nebraska (chronique)

1983 : Tom Waits - Swordfishtrombones (chronique)

1984 : Prince - Purple Rain (chronique)

1985 : Tom Waits - Rain Dogs (chronique)

1986 : Martin Stephenson - Boat To Bolivia (chronique)

1987 : Ceux-dont-on-ne doit -pas-écrire-le-nom (chronique)



Et pour 1988, the winner is :



N.W.A - Straight Outta Compton


La chronique :

20 ans déjà que le groupe emmené par Dr Dre, Ice Cube et Eazy E popularisait le gangsta rap avec ce brulôt excessif et, il faut bien le dire, plutôt jouissif. Récit.

Los Angeles, fin des années 1980. Loin des paillettes de Hollywood, en plein dans la cuvette de South Central, le quartier noir et ses 50 % de chômeurs. Eric Wright, jeune dealer poids mouche de 23 ans décide de tenter sa chance comme producteur de rap. Il recrute le DJ Andre 'Dr. Dre' Young, qui lui présente à son tour un certain O'Shea Jackson, alias Ice Cube, étudiant issu d'une famille tranquille de South Central mais à la plume habile et volontiers salace. Le duo d' auteurs maisons de Wright et son label Ruthless Records est trouvé. Le producteur en herbe a alors l'idée de former un supergroupe 100% South Central, avec les deux précités auxquels il adjoint son voisin et scratcheur DJ Yella et quelques autres. Dr Dre a alors une idée de génie : transformer son mini manager en mini rappeur. Eric Wright, d'abord réticent, se laisse finalement convaincre. C'est la naissance du personnage d'Eazy-E, le petit teigneux à la voix acide, "à la fois menace urbaine, mâle black hypersexué et clown de la classe", selon Jeff Chang.
Les N.W.A. ( Niggaz With Attitude) sortent "Boyz-N-The-Hood" un premier single signé Cube-Dre (les Jagger-Richards du West Coast rap).
Après un album bouclé à la va-vite, Ice Cube, quelque peu désabusé par son manque de succès, préfère partir en Arizona faire une année d'études en dessin architectural. Lorsqu'il revient, à l'été 1988, la situation est toute autre, le single a décollé, et il reprend illico son rôle dans N.W.A., qui s'adjoint le rappeur MC Ren, et enregistre dans la foulée "Straight Outta Compton", du nom d'un quartier déshérité de South Central.
La formule imaginée par Dre et Cube est basique, mais il fallait y penser : reprendre les innovations venues de New York, c'est-à-dire le "hardcore" menaçant popularisé par Public Enemy, musique coup de poing, basses surgonflées et beats funk elephantesques. Dr Dre fait dans l’épure : scratches, boîte à rythme, quelques samples de cuivres et la guitare funk de Stan Jones. Les textes, eux, prennent complètement à contre-pied les messages du rap East Coast : là où Chuck D de Public Enemy, tout de noir vêtu et sérieux comme un pape, balançait ses sermons politiques et prêchait la révolution, là où Eric B et Rakim délivraient leur message spirituel, Dre et Cube préfèrent décrire le plus crûment possible le quotidien des gangsters des quartiers noirs de L.A., voire de le caricaturer façon cartoon, avec toute la gaudriole issue des traditions afro-américaines. Une esthétique de l'excès et de la provocation : sexe, violence, drogues, alcool au volant, argent et vie facile. Personne n'est épargné : flics (le fameux "Fuck Tha Police"), filles, gays, et gangsters concurrents, autant de bâtons pour se faire battre par la critique bien-pensante, afin bien sûr de vendre encore plus de disques aux petits Blancs fascinés. Filon inépuisable.
Il n'empêche, l'album est une tuerie (cas de le dire). Les 3 premiers morceaux, désormais des classiques, claquent comme une salve d'AK-47 : le morceau-titre, célébration de l'esprit de quartier, "Fuck Tha Police" qu'on ne présente plus, puis "Gangsta Gangsta", à l'origine même de l'expression "gangsta rap" (bien que d'autres rappeurs comme Ice T en faisaient déjà sans le savoir). Au risque d'occulter le reste de l'album, qui pourtant contient d'autres bons moments, comme "Express Yourself" sur la censure anti-rap, ou "Parental Discretion Iz Advised" avec ses samples des Isley Brothers.
On connaît la suite : disque d'or en six semaines, scandale "Fuck Tha Police" avec concerts interrompus par la police et plaintes du FBI. Mais l'essentiel est qu'en ramenant le rap au ras du quartier, de la rue, N.W.A. crée un appel d'air gigantesque, un peu comme les Pistols l'avaient fait pour le rock : faire une K7 de rap est à la portée de tous, et plus seulement à New York. NWA avec cet album essentiel ont simplement démocratisé le rap, et permis à la scène gangsta d’exploser dans la décénnie qui suit.

Pour aller plus loin : Jeff Chang, Can’t Stop Won’t Stop, Une histoire de la génération hip-hop, chez Allia.

Découvrez N.W.A!

As you probably understood, this post is about my favorite albums of 1988, an idea that comes from a poll we do at Acclaimed Music's forum.

Above you will find my favorites of the first 7 years, and of course the winners of 88.

In fact that album was issued in january 1989 but it's listed in Acclaimedmusic as 1988 (the copyright is 1988).
I really love that album, even more than Public Enemy's It Takes A Nation... that came out the same year and that was more groundbreaking artistically speaking.
The NWA album is aggressive but full of fun, and I think, more pleasant to listen to.
Of course it was very controversial and raised a big argument even iside the hip hop community, with radio stations banning it.
But I guess what I love the most is Dr. Dre's production, very minimalistic (is that an English word ? I don't know) and groovy. Being French, I'm less struck by the lyrics maybe..
Dre took Public Enemy musical innovations but did the exact contrary with the lyrics : instead of preaching revolution, NWA take hip hop to the streets, but with no social commentary at all (contrary to what Ice-T or Boogie Down Prod did before). They just try to show what they call "reality". But that's not reality ; it is more a fantasy. As in Eminem lyrics, you hear about violence but never see its consequences. It's like a cartoon when the characters shoot themselves without dying.
One of the main sources I used to write my review was Jeff Chang's excellent book Can't Stop Won't Stop, a must-read for every hip hop fan, and every one who wants to understand contemporary music.

les meilleurs albums de 1988 (2)

Autres excellllents albums de cette année-là :

Public Enemy - It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back


Un monument du rap qui n'a pas pris une ride. Public Enemy réinvente complètement le genre. Le timbre surpuissant de Chuck D et sa réthorique politique implacable, le son énorme, les samples en masse : tout est bon. Tellement travaillé que l'ensemble est peut-être un peu lourd à digérer parfois (d'où la 1ere place aux plus "légers" NWA)

Découvrez N.W.A!

Tracy Chapman - Tracy Chapman


J'ai déjà consacré un post à ce très beau disque, abordant parfois les mêmes sujets que le précédents (le sort de la communauté afro-américaine), mais à la bonne vieille manière folk.
Ce qui n'est pas du tout dommageable, tant cette musique était bannie des années 80, et surtout car Tracy a une superbe voix, des belles chansons simples et sincères, malgré une production assez limite parfois, c'est à dire du pur mainstream 80's très propre sur lui.


Sonic Youth - Daydream Nation

Un album-phare pour le rock indépendant américain qui allait faire fureur dans la décennie suivante auprès des étudiants et des critiques américains. Sonic Youth est un peu le Velvet Underground des années 80-90, mi-rock, mi-art, avec une musique qui mélange pop et expérimentation et les très belles guitares de Thurston Moore. Celà dit, à éviter si vous avez mal au crâne.

Découvrez Sonic Youth!

My top 20 for 1988

1. N.W.A. - Straight Outta Compton
2. Tracy Chapman - Tracy Chapman
3. Public Enemy - It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back
4. R.E.M. - Green
5. The Pogues - If I Should Fall From Grace With God
6. Metallica - …And Justice For All
7. Sonic Youth - Daydream Nation
8. Tom Waits - Big Time
9. Ketama/Toumani Diabate/Danny Thompson - Songhaï
10. Asleep At The Wheel - Western Standard Time
11. The Waterboys - Fisherman's Blues
12. Nick Cave & The Bad Seeds - Tender Prey
13. Various Artists - Folkways : A Vision Shared
14. Albert King - Blues At Sunrise : Live at Montreux
15. Pata Negra - Blues de la frontera
16. Eric B & Rakim - Follow The Leader
17. The Go-Betweens - 16 Lovers Lane
18. Martin Stephenson & the Daintees - Gladsome, Humor & Blue
19. Dwight Yoakam - Buenas Noches From A Lonely Room
20. Darden Smith - Darden Smith

One for the road ? OK , from the number 5 album

The Pogues - Thousands Are Sailing (buy)

Album of the week : Ron Sexsmith - Exit Strategy Of The Soul (2008)

(avec etat-critique.com)



I've reviewed this beautiful album on etat-critique. If you can read French, you'll find the whole article in this post.

There is no justice. Ron Sexsmith is one of the most gifted songwriters in North America, and hasn't received one tenth of the succes he deserves. Maybe because he's a little old-fashioned, with his crafted verse/chorus/bridge songs, his gift for melody, his straightforward and beautiful words about simple things that make life : love, loss, loneliness, wonder, sorrow, all in the same songs.

To me he is the archetypal romantic songwriter, a gentle and simple guy, the one you don't notice at once, but who was praised by the greats in his style like Paul McCartney or Elvis Costello. With his boyish face, this forty-and so young guy makes me really think of the great Roy Orbison.

His new album, produced by Martin Terefe, features cuban horns that bring a colourful tone to the songs. It is also the first record featuring Ron on piano instead of the acoustic guitar. His self-taught playing and that beautiful voice give to Exit Strategy a kind of human touch. It's almost like he was speaking to you, as if he was playing in a corner of the room where you're staying.

God bless you Ron !

Check out these great videos on French magazine Telerama's site

Ron Sexsmith - The Impossible World (buy)


En Français dans le texte, voici le texte de la chronique parue dans etat-critique :

En quinze ans de carrière, le songwriter Canadien au visage d'angelot a construit une œuvre remarquable, sans jamais obtenir le quart du succès qu'il mériterait largement.

Sans doute parce que Ron Sexsmith est le genre de type qu'on ne remarque pas toujours dans les soirées, de ceux qui ne se poussent pas du col, mais qui, comme on dit, gagnent à être connus. Ses chansons sont comme lui : simples et élégantes, sans la moindre trace de frime ni de fard. Pas toujours très variées rythmiquement, sans volonté de faire à tout prix un tube, bref, pas vraiment du Kaiser Chiefs.
Et pourtant, il serait dommage de passer à côté de tant de talent, de classe, de justesse d'écriture, de cette voix qui de timide à ses débuts, est devenue de plus en plus affirmée tout en restant fragile, parfois à la limite de la note.
Au bout de deux écoutes d' Exit Strategy Of The Soul, on sait qu'on tient là un classique, de ceux qui vous accompagneront un bon bout de temps. Le talent de mélodiste de Ron, qui lui a valu des louanges de Costello ou de Paul Mc Cartney (pas mal dans le genre) n'est plus à prouver. Il est mis en valeur ici par une instrumentation faisant la part belle au piano, aux cuivres et aux percussions enregistrées à Cuba avec des musiciens locaux, une idée du producteur Martin Terefe qui s'avère plus que payante. Les influences soul du chanteur, sous-jacentes jusqu'à maintenant dans sa musique plus volontiers pop ou folk (on l'avait pourtant vu reprendre du Stevie Wonder lors de son premier passage à Paris) montent agréablement à la surface dans le superbe "This Is How I Know" ou sur "One Last Round". Cette légère touche tropicale vient donner un peu plus d'éclat à la musique parfois paresseuse du Canadien, à cette indolence que les pressés pourraient prendre pour de la mollesse.
Avec ces textes qui vont à l'essentiel, avec ce romantisme qui n'a plus rien à voir avec de la naïveté, avec cette façon de chanter les choses qui sont les plus simples et les plus fortes (" Mais si ton amour n'était pas là pour moi/ je n'aurais plus l'ombre d'une chance"), avec sa volonté de ne rien lâcher de ses rêves dans un monde en roue libre ("Helpless Dreams", le grandiose "Impossible World"), avec cette bouille incroyable que l'âge et les coups durs ont rendu presque fascinante, Sexsmith ressemble de plus en plus à Roy Orbison, ce qui, je suppose, serait pour lui un grand compliment. Il se paye même le luxe, après la dernière chanson, "Music To My Ears", ode aux rires d'enfants et aux chants oiseaux comme ultimes pansements de l'âme, de clore son album par l'instrumental "Dawn Anna" qui, avec ses violons, son violoncelle et son piano, est ce que le rock, manchot et ignare par essence, peut faire de plus approchant de Chopin ou de Schubert.

Les meilleurs clips/interviews sont à consulter sur cette page du site de Télérama

My Favorites : Robert Wyatt - Rock Bottom (2)

This alternative cover art was designed by Alfie, Robert's wife, for the 1998 reissue of the album. Much more colourful and reminding that this album is not so depressing as it seems...

A lot (and its countrary) has been said about Rock Bottom. The story behind it is so strong (the accident) that it turned into a legend. I remember, as a kid (well I was 19 or 20), when I came across this record and started to like then love then worship it, I was told amazing stories : he was high on LSD, thought he was a bird, jumped out the window, woke up in the hospital with his lifeless legs and then wrote the whole thing out of the blue. Seen from this point of view, of course the album, with its title, looks very desperate and depressing.

But the reality is much different, and I have led my investigations for you, going through my own (physical and virtual) musical library, reading Wrong Movements - A Robert Wyatt History by Michael King when it was released in 1999, and the very helpful liner notes in the 1998 reissue, and -Oh God, I just discovered a goldmine, a site called Disco-Robert Wyatt in French, but with an interviews section with articles in English.

Anyway, the first two sources have been compiled in a very good Wikipedia article about the album. Le me quote the main point about the making of Rock Bottom :

Although the music itself is intense and often harrowing, and the lyrics to the songs are dense and obviously deeply personal, Wyatt has denied that the material was a direct result of the accident and the long period of recuperation. Indeed, much of the album had been written while in Venice in early 1973 prior to Wyatt's accident, where his partner and future wife (the poet Alfreda Benge) was working as an assistant editor on Nicolas Roeg's similarly haunting and intense film "Don't Look Now".

But I think the best would be to let Wyatt himself tell that story. So here are his commentary on the 1998 liner notes :

This music began to emerge in Venice, during the winter of 1972, on the tiny island of Giudecca in a hugh old house overlooking the lagoon.
For a couple of months I spent the days alone, while Alfie and a bunch of friends spent their days working on a film. After years of constant work, in groups and on the road, I was uneasy about doing nothing all day. To keep me occupied, Alfie bought me a very basic little keyboard with a particular vibrato, that shimmered like the water that surrounded us. The basic structure of the music was written there, in between watching the lizards on the walls of the house and visiting the local bar to listen to out-of-work gondoliers practicing 'O Sole Mio'.
'Don't Look Now', the film that my friends were working on, centered around a series of unforseen disasters in the life of a couple. Venice itself featured as a sinister presence in the film. Alfie always remembers Nic Roeg, the director, reiterating the theme of the film;
WE ARE NOT PREPARED.

Back in London, during the spring of 1973, I began to organise a new group to perform the material I was preparing. I continued work on the music, and wrote the words for 'Alife', 'Sea Song', and 'A Last Straw' in Alifie's flat on the 21st floor of a recently built council block in the Harrow Road. This block was demolished a few years ago. It was a health hazard, riddled with flaking asbestos. The space that we had occupied, where we'd got to know each other, is now just part of the sky. We often look back at that air, and imagine our ghostly young selves suspended there, unprepared for what was to come.

On June 1st 1973, the night before the new group was to have its first rehearsal, I fell from a fourth floor window and broke my spine. I was sent to Stoke Mandeville Hospital for eight months, where they saved my life and taught me how to live in a wheelchair.
I spent three months lying flat on my back, gazing at the ceiling of a surreal public dormitory amongst twenty others whose lives had also radically changed in a split of a second; victims of bad driving, industrial accidents, a misjudged somersault on a trampoline, a wrong-footed escape during a burglary. We all had to think about our future.
I came to terms with the fact that I was no longer a drummer, and that going on the road would be very problematic. I no longer needed to prepare music for a permanent group, I'd have to concentrate on recording, and I'd have to sing more. I would be able to choose different musicians for different songs. I didn't need to have the same instruments on every song. The loss of my legs might give me a new kind of freedom. (The cat burglar was considering fraud as a new career).
Between visitors, operations and hospital bustle, I began to think about the music I'd been preparing in a different way. At the end of three months, I was given my wheelchair, and discovered an old piano in the visitors' room. I played truant as often as I could from the activities that newly paralised people are given as therapy (archery, and glueing mosaics on bottles to make weird lamps), and escaped to the piano, whenever the room was free, to develop the songs I'd begun with the lizards by the Venice lagoon.
By the time I left the hospital, I was ready to record, but we now had nowhere to live. A kind friend, Delfina, lent us a wheelchair-friendly cottage in Wiltshire. There, at the beginning of 1974, I began to record with Virgin Records' Mobile Studio parked in the adjoining field, while a donkey brayed in the background. In the spring we found a home in London where I prepared for the contributions from the other musicians which were recorded and mixed at the Manor Studio and CBS.
On July 26th, 1974, (the 21st anniversary of the attack on Moncada, which was the first action that led to the Cuban Revolution), Rock Bottom was released, and I married Alfie,and we lived happily ever after.

And also, this, from an interview with the Guardian :

When I was in hospital after the accident in 1973 [which left Wyatt paralysed] , I was writing stuff in my head. I'd started writing what became Rock Bottom and, after a few months, when I was up in my wheelchair, I found an old piano in the visitors' room, which luckily never had any visitors in it. I was trying to remember what I was writing so I wouldn't forget it when I left hospital. I was listening to the record I hadn't made yet, running these things over in my head so I wouldn't forget them as I had no access to recording or anything like that. In fact, it's a great way to write, to constantly go over things in your head. It got to the point where I felt I'd already listened to it before I'd even recorded it.


OK, that's all for the moment, because I have a lot to read on this new site. If something interesting comes up, I'll let you know.

I leave you with another demo, the beautiful and moving love song, Alifib


Robert Wyatt - Alifib (demo) (buy)

Mes favoris : Robert Wyatt - Rock Bottom (1)

(English commentary included)

C'est mon album préféré (si ça vous intéresse, visez aussi les 199 autres).

Bizarre, non ? moi, l'amoureux de roots music, tomber pour du rock progessif ?

Je trouve tout simplement que ce disque est en lui-même un autre monde, une autre dimension, de l'inexploré, de l'inconnu, comme une grotte sous-marine de beauté musicale absolue.

Un disque qui n'a, musicalement à voir avec rien d'autre : jazz, rock, avant-garde ? au diable les étiquettes. Wyatt, qui n'est jamais le seul maître à bord, s'est entouré de musiciens venus d'horizons divers : le saxophoniste Gary Windo, le trompettiste sud-africain Mongezi Feza, les guitaristes Fred Frith et Mike Oldfield, les bassistes Hugh Hopper et Richard Sinclair. Et puis bien sûr il y a la voix de Wyatt, unique, et qu'Yves Bigot qualifie à raison d'"utérine".

C'est bien sûr un album qui s'entoure d'une légende, sur laquelle il va falloir revenir.

Ecouter Rock Bottom, c'est comme entrer dans la mer, marcher au fond de l'eau comme Pinocchio et se rendre compte à sa surprise qu'on peut respirer. D'ailleurs il y a eu un moment de notre existence où on le faisait sans problème (non, encore avant ça... vous y êtes ?).

Avec les potes, à 20 ans, on finissait les soirées allongés par terre, toutes lumières éteintes, et on "se faisait un Wyatt". Evidemment certains ne tenaient pas; c'est l'album idéal à écouter allongé, puisqu'il parle en partie d'immobilité.

juillet 1973 : Robert Wyatt, ex-batteur de Soft Machine, s'apprête à entamer les répétitions du 3e album de son nouveau groupe Matching Mole ("Machine molle", donc "Soft Machine", il aimait bien la France). La veille au soir, il tombe du quatrième étage lors d'une soirée un peu arrosée. Se réveille avec deux jambes mortes. Peu après sa sortie d'hôpital, il enregistre Rock Bottom. (Détails du making-of dans la version anglaise de ce post).

Donc forcément c'est un disque qui a à voir avec l'immobilité.

Déprimé, déprimant ? Pas seulement. Déprimé, on le serait à moins, après un tel accident. Mais une lecture des paroles révèle qu'elles sont pleines d'humour pataphysique et absurde. En fait l'album passe par toutes les émotions. Comme le dit bien le critique italien Piero Scaruffi, "Along that imaginary line, Wyatt carved a deep trench of emotional outpouring, where happiness, sorrow, faith and resignation found a metaphysical unity".

Mais , surtout, et personne ne l'a assez dit, c'est un magnifique disque d'amour, amour pour Alfreda Binge, Alfie, Alifie, Alifib, sa compagne, qui est à ses côtés, et qui ne le laissera jamais tomber.

Description sommaire : ça commence par une chanson presque pop, "Sea Song", suivie de deux autres un peu plus expérimentales (c'est la face A du 33 tours), puis ça se poursuit par un seul morceau en trois ou quatre parties. Sur le disque, la face B contient 3 chansons, mais la troisième est nettement divisée en deux parties très différentes. La face B est une longue exploration sonore, un immense trip qui commence très zen, dans la décontraction absolue, puis une sorte d'angoisse monte, avec le sax strident de Gary Windo (comme j'ai badtrippé dessus "étant jeune" après cigarettes qui font rire !!, ça me faisait penser à un bébé alien se tordant de douleur) et cette fin complétement barrée avec ce récital d'Ivor Cutler. J'ai décrit tout ça dans un texte qui devait faire partie d'un roman (la suite du Regarde-belles), qu'il faudrait que je publie un jour ou l'autre ici ou ailleurs.

Je ne vais pas vous poster des titres de l'album, mais des démos enregistrées chez John Peeel. On y découvre notamment que ces chansons, sorties du bain de l'album et de leurs orchestrations si particulières, fonctionnent encore.

Robert Wyatt - Sea Song (demo) (buy)

Maintenant, rendez-vous pour la version anglaise, car je vous y révèlerai la vérité sur le making-of de Rock Bottom.

Album of the week : Various Artists - Chess Soul, a Decade Of Chicago's Finest

Chess Records is famous for being the main blues record company in postwar Chicago, thanks to producer/songwriter/talent scout Willie Dixon and his protégés (Muddy Waters, Howlin' Wolf, Little Walter); later in the mid-fifties, thanks to DJ Alan Freed's help, Leonard and Phil Chess launched black rockers like Chuck Berry and Bo Diddley.
But Chess was also, during the'60s, a very good soul and R&B company, and one of the main providers of Chicago soul. Compared to the Detroit sound, Chicago-made records were "much cooler, with jazzy horn arrangements and casual guitar licks dominating most productions; where Detroit aimed at the kids, Chicago went for an older, most sophisticated audience" (Charlie Gillett). So Chess became, if not a major soul label, a good follower, thanks to producer and A&R man Billy Davis.
Chess' biggest hit was "Rescue Me" by Fontella Bass in 1966 "one of the best attempts to capture a Motown kind of sound, produced by veteran St Louis bandleader Oliver Sain" (CG), one of the highlights of this very pleasant compilation full of lesser-known soul gems.

Fontella Bass - Rescue Me (buy)

Another one I love, very different, and more an attempt to capture Stax and Southern soul sound (it was recorded at legendary Muscle Shoals studios in Alabama) :

Maurice & Mac - You Left The Water running (buy)

Chess est connue comme étant LA maison de disques du blues électrique de Chicago dans les années 50, avec Muddy Waters, Howlin' Wolf et le producteur-songwriter Wille Dixon; on connaît aussi l'importance qu'elle eut pour le rock'n roll puisque 2 de ses artistes, Chuck berry et Bo Diddley, venus de cette scène blues, devinrent les légendes que l'on sait.

Mais on connaît un peu moins les productions soul de Chess dans les années 1961-71, et c'est l'objet de cette très bonne compilation : monter qu'il n'y avait pas, loin de là, que la Motown à Detroit et la Stax à Memphis, mais que Chicago était aussi un centre important, d'abord avec Vee-Jay (qui lança Curtis Mayfield et ses Impressions), puis avec Chess, qui, voyant que le blues traditionnel était en perte de vitesse, s'engouffra dans la brèche soul, grâce au producteur Billy Davis. Les frères Chess recrutèrent alors Etta James, les Dells, Billy Stewart pour moderniser leur catalogue
Un de mes titres préférés est cet enregistrement de Johnny Nash, chanteur originaire du Texas et qui allait être célèbre dans les années 70 en devenant le premier non Jamaïcain à chanter du reggae ("I Can See Clearly Now"). On le retrouve avec ce très swingant titre enregistré en 1964

Johnny Nash - Love Ain't Nothin' (But A Monkey On Your Back) (buy)

that's all folks ! Je sais que vous êtes pas très forts en commentaires, dommage, mais bon...

Hall of Fame : Elvis Presley

Avec les poteaux virtuels d'Acclaimedmusic on vote toutes les semaines pour bâtir notre Hall of Fame maison. Chaque semaine on avance dans l'histoire (on en est en 1971). Cliquez ici si vous voulez jeter un coup d'oeil à ce que ça donne.

Elvis was the first inducted to the Acclaimed music forum's Hall of Fame, although his importance has been challenged by a growing number of oblivious people.

Logiquement, le premier lauréat fut Elvis Aaron Presley. Je dis logiquement, bien que y en ait pour qui l'importance capitale du King ne soit pas si évidente que ça.

Je ne suis pas le Pierre Ménès ni le Jean-Pierre Coffe du rock, mais là j'ai envie de pousser mon coup de gueule.

ELVIS EST BIEN LE KING, le premier , le seul

It's not my habit, but I'd like to shout it loud


ELVIS IS THE KING, THE FIRST, THE ONLY ONE.

Chez les anti-Elvis, on retrouve deux attitudes :

1) l'amnésie : Y en a plein pour qui l'histoire du rock commence vers 1965, avec les premiers albums des Beatles, de Dylan et des Beach Boys. Pour eux, les années 50 c'est trop ancien. J'ai même entendu dans une soirée où on passait "Hound Dog"un responsable de maison de disque dire "c'est qui, ça ?"

2) pire, le révisionnisme : Y en a d'autres qui considèrent Elvis comme une potiche, un opportuniste qui n'a jamais rien écrit, a tout piqué aux Noirs, une sorte de Justin Timberlake de 1954.


Some people, especially among the younger generations (born after 80 I would say) have the following reaction when asked about Elvis :

1) Amnesia : A lot of people think rock history started in 1965, with the first big albums by the Beatles and Dylan. In the US, radio stations are so specialized that you can only hear Elvis and 50's rockers on "oldies" stations. In France, at a party last year, athe DJ played "Hound Dog" and a friend of mine who works in a record company didn't know it was Elvis singing !

2) Worst, revisionism : as schleuse, one of my friends at AM summed it up, the key points are that :
a. He didn't write his own songs.
b. He was derivative of superior R&B artists.
c. He was a barely competent musician.
d. He was merely lucky enough to be in the right place at the right time.


Que répondre à toutes ces âneries ?

1) Qu'Elvis a tout simplement établi l'étalon du rock'n roll, en mariant blues et country music avec une pincée de pop. Qu'il était, en plus d'une immense icône (sa beauté, son glamour) un formidable artiste, un magnifique chanteur, un catalyseur plus qu'un inventeur. Tout ceci est fort bien résumé dans sa biographie sur AMG (en Anglais) que je vous recommande chaudement.

2) d'aller voir ce clip (désolé, c'est un peu risqué de poster une vidéo directement pour des artistes hyper connus, si je veux pas me faire sucrer mon post). Ou encore, de regarder cette superbe émission de 1968 où Elvis fait son come back de manière toute simple, en une espèce d'unplugged avec ses musiciens mythiques de Sun. Elvis tout entier incarne le mythe.
What can I tell to those people ?

1) That Elvis set the standards of rock'n roll by mixing blues and country music with a spoonful of pop. And more than that he was an icon, he was handsome and gorgeous, a great artist, a catalyser more than a pioneer. Take a look at his biography on AMG for more details. And more than anything else, he is the incarnation of the legend. And don't forget to listen to this !

PS : my favorite Elvis songs

That's All Right - Just Because - Heartbreak Hotel - Suspicious Minds - Hound Dog

Sorry for not posting anything here, but Elvis is the kind of artist that will get me in trouble with the record companies.

Album of the week : Dick Annegarn - Soleil du soir

(Avec etat-critique.com)

The Review / La critique

Le maquisard fantoche de la musique francophone nous a concocté, avec le guitariste Freddy Koella, un 18e album aux couleurs très folk-blues qui sied très bien à son univers inimitable.


Retour à la case départ ? Si l'on en croit sa maison de disques, les excellents Tôt ou Tard (qui sortent simultanément un Mathieu Boogaerts et un Vincent Delerm, rien que ça..), Dick était au bout du rouleau avant d'enregistrer Soleil du soir. Fatigué, en mal d'inspiration, il s'ennuyait tout seul à la guitare. C'est Vincent Frèrebeau, son producteur, qui lui a proposé de travailler avec Freddy Koella, musicien français exilé en Californie, guitariste régulier de Willie Deville et ancien accompagnateur sur scène de Dylan (et plus anecdotique, de feu Cookie Dingler). Les deux compères ont une passion en commun : le blues, le vrai. Celui du Delta. Dick, tricoteur émérite des six cordes, a appris en écoutant les grands du blues d'avant guerre, Skip James, Big Bill Broonzy ou Leadbelly. Freddy joue de la guitare, du banjo, du fiddle comme un vrai hobo du Mississippi.
Et l'alchimie a fonctionné entre les deux musiciens, à tel point qu'il a suffi de cinq jours d'enregistrement. Comme les vrais.
L'entente est parfaite sur la première chanson, "D'abord un verre", un blues traditionnel, ou Freddy rehausse de riffs légers de Dobro (cette guitare à résonateur métallique jouée en slide) le jeu très subtil de Dick et cette voix inimitable, chaude et enveloppante.
Le Hollandais n'a pas pour autant bouleversé son petit monde si particulier. On retrouve tout ce qui fait le grand Annegarn : son élocution inimitable, sa façon bien à lui de bousculer la langue française, sa poésie à la fois abstraite et riche de sens, et cette musique qu'il a joliment surnommé "fado des polders". Soleil du soir, un peu revêche d'aspect, n'est peut-être pas le disque idéal pour aborder Dick Annegarn (on lui préférera une compilation de ses premiers titres et le fabuleux Adieu verdure de 1999), mais reste un crû très gouteux, même si comme souvent certaines chansons comme Soldat peuvent paraître arides comme l'arrière-pays d'Essaouira où le chanteur réside à mi-temps.
La coloration folk-blues rappelle les débuts du chanteur, comme sur "Décadons"ou le morceau-titre. On est également proches de son premier album Tôt ou Tard, Approche-toi, lorsque les guitares sèches s'ornent de sections de cordes. C'est le cas de la chanson "Jacques", hommage à Brel, que Dick salue comme un maquisard. Comme Brel, il a un jour envoyé promener le show-biz pour prendre son maquis. Comme Brel, il s'est retiré du monde. Ses Marquises à lui, c'est la Haute-Garonne ou le Maroc. Il peut donc largement se permettre l'hommage, à sa façon bien sûr, un peu mystérieuse; car qui d'autre peut chanter "Des œufs sur pattes traversent l'enfer / Des femmes en nattes, les fesses en l'air" ? "Théo" est un autre hommage à un exilé du pays des moulins, Van Gogh. L'exil est d'ailleurs un des thèmes récurrents de cet album un peu crépusculaire, mais jamais pessimiste. Espérons que ce Soleil du soir ne se couchera pas définitivement, car sans Dick, la musique en Français aurait de faux airs de plat pays…

Dick Annegarn is my favorite living French pop singer though he's not french, but Dutch. He started in the early 70s, in the French folk scene around the American Center in Paris, and his music is both influenced by folk-blues and French chanson. See his biography here.
I reviewed his new album, Soleil du soir, a very bluesy record he cut in New York with Freddy Koella, a French guitarist who plays with Willie Deville. Dick, before recording felt tired and bored of playing the guitar, but his producer introduced him to Koella and they got along pretty well, cutting the album in three days. He dedicated a song to Jacques Brel, one of his masters, and another to Van Gogh. Like Brel, he quit the mainstream musical scene at the heighth of his success in 1980, only to come back at the end of the nineties. Like Van Gogh he left his country for the South of France.
The first song, "D'abord un verre" (First, A Drink), is a traditional blues. His lyrics are very poetic, and this song is about how music (and food and drink) can ease the pain.

Dick Annegarn - D'abord un verre (buy)

Bonus : Dick and the blues

Selon sa biographie, Dick aurait appris la guitare en écoutant Skip James et surtout Big Bill Broonzy. Ce dernier, grand (par la taille et le talent) guitariste de Chicago, plaque tournante du blues dans sa ville juste avant-guerre, avait enregistré en France en 1951 et 1954, et ces albums (où il joue seul en acoustique, spécialement pour le public blanc fan de folk alors qu'il enregistrait avec un orchestre avant guerre) étaient disponibles facilement en Europe, ainsi que les disques Folkways qui présentaient, entre autres, Leadbelly ou Sonny Terry et Brownie McGhee.

Although it is not his main musical style, Dick is very found of blues, especially folk-blues. He's a very good acoustic guitarist and his deep bass voice proves to be ideal for blues. He played live in 1980 with Robert Pete Williams, an ex-convict in Angola prison and 12-street guitar player, just like Leadbelly. In 2006 he could be seen at Les Nuits de l'alligator, a blues festival in Paris. He played a solo acoustic concert, alternatively blues standards and his own material.

Pas étonnant donc qu'il reprenne, en 1999, sur l'album Adieu verdure (son meilleur à mon goût), la chanson "Keep Your Hands Off Her", enregistrée à la fois par Big Bill en 1935 et par Leadbelly en 1944. C'est de la version de ce dernier, parue sur un album Folkways, que s'inspire Annegarn, avec une jolie partie de slide signée Marc Ribot.
Et puis juste après la version originale, plus dépouillée, de Leadbelly, pas mal non plus.

Here is his cover of "Keep Your Hands Off Her", a blues standard recorded by Big Bill Broonzy and Leadbelly, closer to the Leadbelly version, with Marc Ribot on slide guitar.
Then, the original version by Leadbelly.

Dick Annegarn - Keep Your Hands Off Her (buy)

Leadbelly - Keep Your Hands Off Her (buy)

The Good News

This morning I woke up and heard the good news.

Thanks to all Americans who voted for change ! Now there's a lot to do...

And, Mr. Obama, if you want a Secretary of State, think of Louisiana Red, who is still alive (he played last year in Paris with Dick Annegarn), and who's been dreaming about the job since 1962 !

Louisiana Red - Red's Dream (buy)

Ca chauffe pour les blogs musicaux

Sur l'excelllent blog Setting the Woods On Fire, mon ami de l'Internet Paul s'inquiète car Blogger et d'autres hébergeurs de blogs ont déjà supprimé des posts, voire carrément fermé des blogs musicaux suite à des plaintes d'éditeurs musicaux.

Ca l'a tellement chamboulé qu'il envisage carrément de mettre la clé sous la porte.

Moi qui démarre dans le métier, ça m'embêterait un peu de ma faire taper sur les doigts, alors que je respecte les engagements de tous les blogs musicaux (voir dans la marge de mon site) qui sont notamment de ne pas diffuser des albums entiers et de désactiver les liens mp3 au bout d'un certain temps, et que surtou, les blogs musicaux, comme les radios, sont là pour pousser les gens à acheter des disques !

Je vous encourage donc, si vous lisez l'Anglais (même un petit peu) :

1. à aller visiter Setting The Woods On Fire, grand blog sur la country music
2. à lire le post de Paul et de l'encourager à continuer.

I've just read a post by Paul on his Setting The Woods On Fire blog about blogger deleting posts and closing blogs after complains from records companies. He then decided to close his own blog. What the indusrty is doing is f*** stupid and I really hope it won't happen to this site, but we nerver know...

Paul made a brilliant summary on the usefulness of musical blogs :

(1) The place we all go for information is the Internet.

(2) We can best get information about music by actually hearing the
music, rather than just reading about it.

(3) Information that comes from an organic network of fans—without a
profit motive—is infinitely more valuable than information coming from a record
company or retailer with something to sell.Only music blogs combine all of these
features.

No comment...

Bon, ben maintenant on va (quand même) écouter un peu de musique même si chaque morceau peut être le dernier. De la bonne jamaïcaine, la partie immergée de l'iceberg reggae, à savoir la fabuleuse musique enregistrée à Kingston dans les sixties et que je savoure grâce à la compilation Trojan Story.

Now, maybe for the last time (?), music with a great great ska number from the Trojan vaults.

Don Drummond - Man In The Street (buy)

Album of the week : Tracy Chapman (1988)

Salut,

A quick hello because I'm preparing a big post for next week and I have a lot of work at home.

I've been listening this week to a lot of 1988 records (you'll soon learn why).

This month is the 20th anniversary of the Tracy Chapman album, I listened to it a couple of times. This record has been played and overplayed by every radio station, seen on every Ikea shelf, but when you forget about that and listen to it (especially the lyrics) you know why, and you wish you could hear them without this '80s mainstream production.
Fortunately I've found an acoustic version of Fast Car. Just Chapman, her guitar, her voice, her song.

Un billet rapide ce week-end car je vous en prépare un ou deux bien gros pour la semaine qui vient, et que j'ai des travaux à la maison. Donc cette semaine j'ai redécouvert l'album de Tracy Chapman qui fête ce mois-ci ses 20 ans. Si l'on essaie d'oublier qu'on a déjà entendu 758 fois ces chansons sur la FM, et qu'on se concentre sur leur écriture et leur fraîcheur, je pense que ça tue (comme disait Omer mon ami). Et les paroles... C'est pas vraiment politically correct;
Evidemment la prod est hyper mainstream, mais ça c'est l'époque qui le voulait; et puis certains songwriters ne sont pas faits pour habiller leurs chansons, confient ça à d'autres avec les risques que ça comporte. L'autre soir sur France Inter le critique Hugo Cassavetti de Télérama disait que ça serait bien si cerains artistes dépoussiéraient leurs albums des 80's, les débarassent de toute cette quincaillerie synthétique.

Heureusement, j'ai là une vidéo de Fast Car en acoustique. Moi ça m'émeut. Quelle voix.. Allez salut, je sors sur la pointe des pieds.




Another song I love in this album is "Last Night", a simple and moving story sung a cappella. What I love with this record is that you don't have much to say about it : the songs speak for themselves.

Une petite extension à ce post car les airs de Tracy me trottent dans la tête. Donc album de la semaine, fingers in the nose. Evidemment il y aura toujours des snobs pour râler (c'est pas du rockeu c'est de la variétéeu) mais les pauvres ne savent pas ce qui va leur tomber sur la tronche dans 2-3 jours...

Album of the week : Conor Oberst - Conor Oberst (2008)

Régulièrement, j'accompagnerai la publication d'une chronique sur etat-critique.com en en reprenant ici le texte et en lui ajoutant des bonus et aussi des résumés pour les amis anglophones.

From now on and on a regular basis, I will post here my latest review on etat-critique.com along with bonuses and an English version.

Enregistré au fin fond du Mexique avec quelques potes musiciens, cet album de country-rock dépouillé à la Neil Young est la première et rafraîchissante escapade solo du chanteur de Bright Eyes, sacré meilleur songwriter 2008 par Rolling Stone.

Recorded in rural Mexico with a few musicians, this Neil Young-like, country-rock album is the first and solo act of Bright Eye's leader Conor Oberst, songwriter of the year for Rolling Stone.

Premier extrait :

Découvrez Conor Oberst!

Conor Oberst est une figure du rock alternatif américain : beau gosse ténébreux et androgyne de 28 ans, auteur-compositeur depuis l'adolescence, puisuqu' il enregistre son premier album avec le groupe Commander Venus à 15 ans, fonde Bright Eyes à 18 avec son ami Mike Mogis. Autour de ce duo viennent se greffer des musiciens et amis occasionnels, issus de la scène indie d'Omaha, Nebraska, sa ville natale. Le groupe a connu un succès important aux Etats-Unis à partir de 2002 (dont plusieurs singles dans le top 10) avec une musique qui, autour d'une base néo-folk, explore toutes sortes de sonorités musicales, depuis le simple guitare-voix aux orchestrations chiadées, en passant par des bidouillages électroniques. Avec en prime la voix écorchée et les textes intimistes d'Oberst, auteur doué et prolifique, qui mène parallèlement un autre projet, plus engagé politiquement, avec le groupe Desaparecidos.

Entre la dernière tournée de Bright Eyes et les sessions du prochain album du groupe (qui démarrent en novembre prochain), Oberst, en possession de plusieurs chansons écrites dans les bus et les chambres d'hôtel, a donc décider de s'enfuir à Tepotzlan, dans les montagnes mexicaines, pour enregistrer son premier album solo sous son nom, dans une maison louée pour l'occasion. Avec dans ses bagages un minimum de matériel et un groupe de potes joliment rebaptisé Mystic Valley Band.

Il était beaucoup moins connu en Europe. En fait j'ai entendu parler de lui pour la première fois par Télérama, qui avait consacré un sujet aux nouveaux protest singers américains anti-Bush, où Oberst figurait aux côtés de Sufjan Stevens (à mon avis un cran au-dessus de lui), Natalie Merchant ou Mary Gauthier.

Conor Oberst started writing songs at 10, recorded his first demos at 12, his first record at 15 with Comander Venus, started Bright Eyes at 18 with his friend Mike Mogis. The band was quite popular in the USA, but much less so in Europe, although they found great supporters at Telerama, an entertainment magazine with a small but excellent music section. I didn't know Bright Eyes very much when I listened to Oberst's album, and discovered afterwards that their music was musch more sophisticated.

Oberst, a very prolific songwriter, had a stock of songs he wanted to record and decided to go record them in Mexico, after a friend told him about a magical place in the mountains not far from Mexico City. He rented a house there and cut the album with a few friends, then came back to do the mixing in his hometown studio in Omaha, NE.

Voici une video du making of de l'album, filmée et postée sur Youtube par le groupe lui-même.

The following video of the recording was posted by the band themselves on Youtube. In the beginning you can see a footage made in Tepotzlan, of so-called UFO that, in my opinion, look very much like fireworks.



Il en ressort, non pas un album avec trompettes mariachis, mais ce disque très brut comparé aux productions de Bright Eyes : l'instrumentation est un basique guitare basse batterie et piano, l'ambiance, comme nous le suggère la pochette, est à la décontraction. Une formule pas évidente : dans leur plus simple appareil, les compositions ont intérêt à être plutôt bien roulées, ce qui est globalement le cas. Oberst revient aux fondamentaux, et se sort très honorablement de l'exercice, sans pour autant signer le grand chef d'œuvre de sa vie. Mais l'album dégage une belle homogénéité, due certainement aux conditions de son enregistrement, avec ce petit côté écorché dans la voix qui rappelle Tonight's The Night du grand Neil ou encore Steve Earle. Certaines compos surnagent nettement, comme ce "I Don't Want To Die In A Hospital" au tempo fifties, chanson à la Johnny Cash inspirée par un de ses amis de 75 ans. On le surnomme le nouveau Bob Dylan, mais Conor est bien mieux que cela : il est lui-même, tout simplement. Finalement, son seul vrai point commun avec ses maîtres (le quatuor Springsteen-Dylan-Johnny Cash-Neil Young) est de suivre son chemin sans s'occuper des modes et des commentaires, et sans trop savoir ce qui l'attend au prochain tournant.

As a result of this very relaxed recording process, the music is raw and simple, with drums bass guitar and an occasional piano, and put the emphasize on the songwriting, which is OK. Oberst's scorched voice, the musical cohesiveness and the dark color of the cover art make me think of Neil Young's Tonight's the Night album. The song "I Don't Want To die (In The Hospital)" with his boogie piano à la Jerry Lee Lewis and the Johnny Cash-like lyrics, is a higlight. The song is about a 75-year old friend of Conor's.

Découvrez Conor Oberst!

The press often considers him as the "new Bob Dylan" which might be exaggerated, but one of Oberst's best qualities is that he makes his way without caring much for fashion, just like his masters Bruce Springsteen and Neil Young. He played a couple of times with the Boss in Omaha and during the "Vote for change" tour.

Pour conclure, et quelques jours après avoir écrit cette chronique, j'aime toujours bien ce disque; c'est marrant parce qu'il ne contient pas d'aussi bonnes chansons que certains des autres que je vous ai recommandés dans mes posts précédents, mais il ya une ambiance, une tonalité, quelque chose de très attachant dans cet album qui en fait tout de même un de mes favoris de l'année. Et en plus, Oberst tape pile dans le créneau de la musique que j'adore, on a les mêmes idoles, le même amour pour le rock'n roll, je veux dire celui des fifties, comme référent ultime, rock'n roll que la plupart des auditeurs d'aujourd'hui ont complètement oublié; mais ça on y reviendra car j'espère un jour attaquer une série "Hall Of Fame" en commençant, bien sûr, par Elvis Presley.

Découvrez Conor Oberst!

Découvertes 2008 (3) : les branchés

Fin du panorama de mes découvertes 2008 avec cette fois-ci, le best of des nouveaux groupes de la scène indépendante.

Après cette petite session de rattrapage, on pourra ensuite (à partir de vendredi) découvrir mes nouvelles chroniques au fur et à mesure qu'elles sortiront sur etat-critique, avec dans ce blog des petits compléments.

This post about my favorite young indie bands will close my 2008 retrospective, and from Friday on I will publish my reviews (in French but with an English summary) here and on etat-critique at the same time.


1. MGMT

Ces deux jeûnots de Brooklyn signent là leur premier vrai album, après avoir publié un EP en 2005 et fait l'objet d'un énorme buzz sur le Web. Etudiants en art, ils représentent tout un nouveau genre de groupes américains, dont les précurseurs furent les Flaming lips. Souvent issus de la bourgeoisie des grandes villes, ils mélangeant pop, musique expérimentale, electro avec un enrobage citadin et intello qui peut énerver parfois mais fait le bonheur des critiques de Pitchwork ou des Inrocks. Heureusement, les MGMT ont un vrai talent de composition, et ont un peu mis de l'eau dans leur vin en proposant pour l'album, nommé Oracular Spectacular (acheter) une formule plus écoutable que leurs essais précédents. Lire la chronique de mon pote Pierrot sur etat-critique.

Like Justice like year, MGMT experienced a huge media exposure that I hope won't harm them. This duo is really gifted, they cut their album with Mercury Rev producer Dave Fridman and it shows. Their music is modern-day psychedelism, a genre that is praised by critics both sides of the Atlantic, from Pitchwork to Les Inrockuptibles. If I confess that groups like Of Montreal or Panda Baer bore me a lot, I like their ability to write good pop songs and give them a glamourous look, both modern and out of time.

Voici une version live de "Time To Pretend" (clip officiel ici)

2. Vampire Weekend

Ceux-là, même si issus du même environnement (universités huppées new-yorkaises), font beaucoup plus propres sur eux, beaucoup moins hirsutes, et évidemment, leur musique aussi. Celle-ci, à fond dans le revival eighties, rappelle en fait beaucoup les Talking Heads ou encore, avec ces riffs de guitare très African pop, le Paul Simon de Graceland, avec en prime des violons et violoncelles mais là aussi, au service de mélodies habiles. Il ya sur cet album (également leur premier) trois ou quatre chansons qui sont de vrais joyaux pop, comme l'extrait que je vous propose plus bas. Et bien sûr, vous en saurez plus dans l'excellllente critique de Nicolas Lejeune sur etat-critique.

Another critic's favorite, another band that was formed in a New York university, Vampire Weekend likes to play with rock history, picking here and there their influences, especially from Talking Heads and African pop, but also from Pete Gabriel or baroque music.

3. British Sea Power

Ceux-là sont Anglais (évidemment, avec un nom pareil...), et pas débutants, puisque Do You Like Rock Music (acheter), sorti en début d'année, est leur troisième album. Je ne les connaissais pas, mais il semble qu'à leurs débuts ils étaient plutôt cold wave tendance Joy Division (un genre que j'affactionne peu).
Aujourd'hui leur musique a pris des couleurs, et notamment une dimension épique qui fait penser aux Canadiens d'Arcade Fire ou, sur le titre "No Lucifer" que vous allez entendre, à Blur. Pour en savoir plus, ruez-vous sur ma critique dans etat-chronique (eu non, enfin le contraire).

One of the first discoveries of the year, this band and this album, not a very original one, but quite good. One big quality of theirs is this mood they manage to create and maintain all through the album, quite wintery and epic. And today in Paris the weather is cloudy, dark (I had to turn on the lights in my office at 4 PM) and wet, and it's the perfect day to play BSP.

Et vous ? Qu'avez vous pensé de tous ces groupes ? Etes-vous pour ou contre la moustache de Nick cave ? Quel est votre album préféré de 2008 ? Aimez-vous le rôti de porc ?

What about you ? What do you think of those bands ? Are you pro or anti – Nick Cave with a moustache ? What's your favourite 2008 album ? Do you like French food ?