Album of the week : Ron Sexsmith - Exit Strategy Of The Soul (2008)

(avec etat-critique.com)



I've reviewed this beautiful album on etat-critique. If you can read French, you'll find the whole article in this post.

There is no justice. Ron Sexsmith is one of the most gifted songwriters in North America, and hasn't received one tenth of the succes he deserves. Maybe because he's a little old-fashioned, with his crafted verse/chorus/bridge songs, his gift for melody, his straightforward and beautiful words about simple things that make life : love, loss, loneliness, wonder, sorrow, all in the same songs.

To me he is the archetypal romantic songwriter, a gentle and simple guy, the one you don't notice at once, but who was praised by the greats in his style like Paul McCartney or Elvis Costello. With his boyish face, this forty-and so young guy makes me really think of the great Roy Orbison.

His new album, produced by Martin Terefe, features cuban horns that bring a colourful tone to the songs. It is also the first record featuring Ron on piano instead of the acoustic guitar. His self-taught playing and that beautiful voice give to Exit Strategy a kind of human touch. It's almost like he was speaking to you, as if he was playing in a corner of the room where you're staying.

God bless you Ron !

Check out these great videos on French magazine Telerama's site

Ron Sexsmith - The Impossible World (buy)


En Français dans le texte, voici le texte de la chronique parue dans etat-critique :

En quinze ans de carrière, le songwriter Canadien au visage d'angelot a construit une œuvre remarquable, sans jamais obtenir le quart du succès qu'il mériterait largement.

Sans doute parce que Ron Sexsmith est le genre de type qu'on ne remarque pas toujours dans les soirées, de ceux qui ne se poussent pas du col, mais qui, comme on dit, gagnent à être connus. Ses chansons sont comme lui : simples et élégantes, sans la moindre trace de frime ni de fard. Pas toujours très variées rythmiquement, sans volonté de faire à tout prix un tube, bref, pas vraiment du Kaiser Chiefs.
Et pourtant, il serait dommage de passer à côté de tant de talent, de classe, de justesse d'écriture, de cette voix qui de timide à ses débuts, est devenue de plus en plus affirmée tout en restant fragile, parfois à la limite de la note.
Au bout de deux écoutes d' Exit Strategy Of The Soul, on sait qu'on tient là un classique, de ceux qui vous accompagneront un bon bout de temps. Le talent de mélodiste de Ron, qui lui a valu des louanges de Costello ou de Paul Mc Cartney (pas mal dans le genre) n'est plus à prouver. Il est mis en valeur ici par une instrumentation faisant la part belle au piano, aux cuivres et aux percussions enregistrées à Cuba avec des musiciens locaux, une idée du producteur Martin Terefe qui s'avère plus que payante. Les influences soul du chanteur, sous-jacentes jusqu'à maintenant dans sa musique plus volontiers pop ou folk (on l'avait pourtant vu reprendre du Stevie Wonder lors de son premier passage à Paris) montent agréablement à la surface dans le superbe "This Is How I Know" ou sur "One Last Round". Cette légère touche tropicale vient donner un peu plus d'éclat à la musique parfois paresseuse du Canadien, à cette indolence que les pressés pourraient prendre pour de la mollesse.
Avec ces textes qui vont à l'essentiel, avec ce romantisme qui n'a plus rien à voir avec de la naïveté, avec cette façon de chanter les choses qui sont les plus simples et les plus fortes (" Mais si ton amour n'était pas là pour moi/ je n'aurais plus l'ombre d'une chance"), avec sa volonté de ne rien lâcher de ses rêves dans un monde en roue libre ("Helpless Dreams", le grandiose "Impossible World"), avec cette bouille incroyable que l'âge et les coups durs ont rendu presque fascinante, Sexsmith ressemble de plus en plus à Roy Orbison, ce qui, je suppose, serait pour lui un grand compliment. Il se paye même le luxe, après la dernière chanson, "Music To My Ears", ode aux rires d'enfants et aux chants oiseaux comme ultimes pansements de l'âme, de clore son album par l'instrumental "Dawn Anna" qui, avec ses violons, son violoncelle et son piano, est ce que le rock, manchot et ignare par essence, peut faire de plus approchant de Chopin ou de Schubert.

Les meilleurs clips/interviews sont à consulter sur cette page du site de Télérama

My Favorites : Robert Wyatt - Rock Bottom (2)

This alternative cover art was designed by Alfie, Robert's wife, for the 1998 reissue of the album. Much more colourful and reminding that this album is not so depressing as it seems...

A lot (and its countrary) has been said about Rock Bottom. The story behind it is so strong (the accident) that it turned into a legend. I remember, as a kid (well I was 19 or 20), when I came across this record and started to like then love then worship it, I was told amazing stories : he was high on LSD, thought he was a bird, jumped out the window, woke up in the hospital with his lifeless legs and then wrote the whole thing out of the blue. Seen from this point of view, of course the album, with its title, looks very desperate and depressing.

But the reality is much different, and I have led my investigations for you, going through my own (physical and virtual) musical library, reading Wrong Movements - A Robert Wyatt History by Michael King when it was released in 1999, and the very helpful liner notes in the 1998 reissue, and -Oh God, I just discovered a goldmine, a site called Disco-Robert Wyatt in French, but with an interviews section with articles in English.

Anyway, the first two sources have been compiled in a very good Wikipedia article about the album. Le me quote the main point about the making of Rock Bottom :

Although the music itself is intense and often harrowing, and the lyrics to the songs are dense and obviously deeply personal, Wyatt has denied that the material was a direct result of the accident and the long period of recuperation. Indeed, much of the album had been written while in Venice in early 1973 prior to Wyatt's accident, where his partner and future wife (the poet Alfreda Benge) was working as an assistant editor on Nicolas Roeg's similarly haunting and intense film "Don't Look Now".

But I think the best would be to let Wyatt himself tell that story. So here are his commentary on the 1998 liner notes :

This music began to emerge in Venice, during the winter of 1972, on the tiny island of Giudecca in a hugh old house overlooking the lagoon.
For a couple of months I spent the days alone, while Alfie and a bunch of friends spent their days working on a film. After years of constant work, in groups and on the road, I was uneasy about doing nothing all day. To keep me occupied, Alfie bought me a very basic little keyboard with a particular vibrato, that shimmered like the water that surrounded us. The basic structure of the music was written there, in between watching the lizards on the walls of the house and visiting the local bar to listen to out-of-work gondoliers practicing 'O Sole Mio'.
'Don't Look Now', the film that my friends were working on, centered around a series of unforseen disasters in the life of a couple. Venice itself featured as a sinister presence in the film. Alfie always remembers Nic Roeg, the director, reiterating the theme of the film;
WE ARE NOT PREPARED.

Back in London, during the spring of 1973, I began to organise a new group to perform the material I was preparing. I continued work on the music, and wrote the words for 'Alife', 'Sea Song', and 'A Last Straw' in Alifie's flat on the 21st floor of a recently built council block in the Harrow Road. This block was demolished a few years ago. It was a health hazard, riddled with flaking asbestos. The space that we had occupied, where we'd got to know each other, is now just part of the sky. We often look back at that air, and imagine our ghostly young selves suspended there, unprepared for what was to come.

On June 1st 1973, the night before the new group was to have its first rehearsal, I fell from a fourth floor window and broke my spine. I was sent to Stoke Mandeville Hospital for eight months, where they saved my life and taught me how to live in a wheelchair.
I spent three months lying flat on my back, gazing at the ceiling of a surreal public dormitory amongst twenty others whose lives had also radically changed in a split of a second; victims of bad driving, industrial accidents, a misjudged somersault on a trampoline, a wrong-footed escape during a burglary. We all had to think about our future.
I came to terms with the fact that I was no longer a drummer, and that going on the road would be very problematic. I no longer needed to prepare music for a permanent group, I'd have to concentrate on recording, and I'd have to sing more. I would be able to choose different musicians for different songs. I didn't need to have the same instruments on every song. The loss of my legs might give me a new kind of freedom. (The cat burglar was considering fraud as a new career).
Between visitors, operations and hospital bustle, I began to think about the music I'd been preparing in a different way. At the end of three months, I was given my wheelchair, and discovered an old piano in the visitors' room. I played truant as often as I could from the activities that newly paralised people are given as therapy (archery, and glueing mosaics on bottles to make weird lamps), and escaped to the piano, whenever the room was free, to develop the songs I'd begun with the lizards by the Venice lagoon.
By the time I left the hospital, I was ready to record, but we now had nowhere to live. A kind friend, Delfina, lent us a wheelchair-friendly cottage in Wiltshire. There, at the beginning of 1974, I began to record with Virgin Records' Mobile Studio parked in the adjoining field, while a donkey brayed in the background. In the spring we found a home in London where I prepared for the contributions from the other musicians which were recorded and mixed at the Manor Studio and CBS.
On July 26th, 1974, (the 21st anniversary of the attack on Moncada, which was the first action that led to the Cuban Revolution), Rock Bottom was released, and I married Alfie,and we lived happily ever after.

And also, this, from an interview with the Guardian :

When I was in hospital after the accident in 1973 [which left Wyatt paralysed] , I was writing stuff in my head. I'd started writing what became Rock Bottom and, after a few months, when I was up in my wheelchair, I found an old piano in the visitors' room, which luckily never had any visitors in it. I was trying to remember what I was writing so I wouldn't forget it when I left hospital. I was listening to the record I hadn't made yet, running these things over in my head so I wouldn't forget them as I had no access to recording or anything like that. In fact, it's a great way to write, to constantly go over things in your head. It got to the point where I felt I'd already listened to it before I'd even recorded it.


OK, that's all for the moment, because I have a lot to read on this new site. If something interesting comes up, I'll let you know.

I leave you with another demo, the beautiful and moving love song, Alifib


Robert Wyatt - Alifib (demo) (buy)

Mes favoris : Robert Wyatt - Rock Bottom (1)

(English commentary included)

C'est mon album préféré (si ça vous intéresse, visez aussi les 199 autres).

Bizarre, non ? moi, l'amoureux de roots music, tomber pour du rock progessif ?

Je trouve tout simplement que ce disque est en lui-même un autre monde, une autre dimension, de l'inexploré, de l'inconnu, comme une grotte sous-marine de beauté musicale absolue.

Un disque qui n'a, musicalement à voir avec rien d'autre : jazz, rock, avant-garde ? au diable les étiquettes. Wyatt, qui n'est jamais le seul maître à bord, s'est entouré de musiciens venus d'horizons divers : le saxophoniste Gary Windo, le trompettiste sud-africain Mongezi Feza, les guitaristes Fred Frith et Mike Oldfield, les bassistes Hugh Hopper et Richard Sinclair. Et puis bien sûr il y a la voix de Wyatt, unique, et qu'Yves Bigot qualifie à raison d'"utérine".

C'est bien sûr un album qui s'entoure d'une légende, sur laquelle il va falloir revenir.

Ecouter Rock Bottom, c'est comme entrer dans la mer, marcher au fond de l'eau comme Pinocchio et se rendre compte à sa surprise qu'on peut respirer. D'ailleurs il y a eu un moment de notre existence où on le faisait sans problème (non, encore avant ça... vous y êtes ?).

Avec les potes, à 20 ans, on finissait les soirées allongés par terre, toutes lumières éteintes, et on "se faisait un Wyatt". Evidemment certains ne tenaient pas; c'est l'album idéal à écouter allongé, puisqu'il parle en partie d'immobilité.

juillet 1973 : Robert Wyatt, ex-batteur de Soft Machine, s'apprête à entamer les répétitions du 3e album de son nouveau groupe Matching Mole ("Machine molle", donc "Soft Machine", il aimait bien la France). La veille au soir, il tombe du quatrième étage lors d'une soirée un peu arrosée. Se réveille avec deux jambes mortes. Peu après sa sortie d'hôpital, il enregistre Rock Bottom. (Détails du making-of dans la version anglaise de ce post).

Donc forcément c'est un disque qui a à voir avec l'immobilité.

Déprimé, déprimant ? Pas seulement. Déprimé, on le serait à moins, après un tel accident. Mais une lecture des paroles révèle qu'elles sont pleines d'humour pataphysique et absurde. En fait l'album passe par toutes les émotions. Comme le dit bien le critique italien Piero Scaruffi, "Along that imaginary line, Wyatt carved a deep trench of emotional outpouring, where happiness, sorrow, faith and resignation found a metaphysical unity".

Mais , surtout, et personne ne l'a assez dit, c'est un magnifique disque d'amour, amour pour Alfreda Binge, Alfie, Alifie, Alifib, sa compagne, qui est à ses côtés, et qui ne le laissera jamais tomber.

Description sommaire : ça commence par une chanson presque pop, "Sea Song", suivie de deux autres un peu plus expérimentales (c'est la face A du 33 tours), puis ça se poursuit par un seul morceau en trois ou quatre parties. Sur le disque, la face B contient 3 chansons, mais la troisième est nettement divisée en deux parties très différentes. La face B est une longue exploration sonore, un immense trip qui commence très zen, dans la décontraction absolue, puis une sorte d'angoisse monte, avec le sax strident de Gary Windo (comme j'ai badtrippé dessus "étant jeune" après cigarettes qui font rire !!, ça me faisait penser à un bébé alien se tordant de douleur) et cette fin complétement barrée avec ce récital d'Ivor Cutler. J'ai décrit tout ça dans un texte qui devait faire partie d'un roman (la suite du Regarde-belles), qu'il faudrait que je publie un jour ou l'autre ici ou ailleurs.

Je ne vais pas vous poster des titres de l'album, mais des démos enregistrées chez John Peeel. On y découvre notamment que ces chansons, sorties du bain de l'album et de leurs orchestrations si particulières, fonctionnent encore.

Robert Wyatt - Sea Song (demo) (buy)

Maintenant, rendez-vous pour la version anglaise, car je vous y révèlerai la vérité sur le making-of de Rock Bottom.

Album of the week : Various Artists - Chess Soul, a Decade Of Chicago's Finest

Chess Records is famous for being the main blues record company in postwar Chicago, thanks to producer/songwriter/talent scout Willie Dixon and his protégés (Muddy Waters, Howlin' Wolf, Little Walter); later in the mid-fifties, thanks to DJ Alan Freed's help, Leonard and Phil Chess launched black rockers like Chuck Berry and Bo Diddley.
But Chess was also, during the'60s, a very good soul and R&B company, and one of the main providers of Chicago soul. Compared to the Detroit sound, Chicago-made records were "much cooler, with jazzy horn arrangements and casual guitar licks dominating most productions; where Detroit aimed at the kids, Chicago went for an older, most sophisticated audience" (Charlie Gillett). So Chess became, if not a major soul label, a good follower, thanks to producer and A&R man Billy Davis.
Chess' biggest hit was "Rescue Me" by Fontella Bass in 1966 "one of the best attempts to capture a Motown kind of sound, produced by veteran St Louis bandleader Oliver Sain" (CG), one of the highlights of this very pleasant compilation full of lesser-known soul gems.

Fontella Bass - Rescue Me (buy)

Another one I love, very different, and more an attempt to capture Stax and Southern soul sound (it was recorded at legendary Muscle Shoals studios in Alabama) :

Maurice & Mac - You Left The Water running (buy)

Chess est connue comme étant LA maison de disques du blues électrique de Chicago dans les années 50, avec Muddy Waters, Howlin' Wolf et le producteur-songwriter Wille Dixon; on connaît aussi l'importance qu'elle eut pour le rock'n roll puisque 2 de ses artistes, Chuck berry et Bo Diddley, venus de cette scène blues, devinrent les légendes que l'on sait.

Mais on connaît un peu moins les productions soul de Chess dans les années 1961-71, et c'est l'objet de cette très bonne compilation : monter qu'il n'y avait pas, loin de là, que la Motown à Detroit et la Stax à Memphis, mais que Chicago était aussi un centre important, d'abord avec Vee-Jay (qui lança Curtis Mayfield et ses Impressions), puis avec Chess, qui, voyant que le blues traditionnel était en perte de vitesse, s'engouffra dans la brèche soul, grâce au producteur Billy Davis. Les frères Chess recrutèrent alors Etta James, les Dells, Billy Stewart pour moderniser leur catalogue
Un de mes titres préférés est cet enregistrement de Johnny Nash, chanteur originaire du Texas et qui allait être célèbre dans les années 70 en devenant le premier non Jamaïcain à chanter du reggae ("I Can See Clearly Now"). On le retrouve avec ce très swingant titre enregistré en 1964

Johnny Nash - Love Ain't Nothin' (But A Monkey On Your Back) (buy)

that's all folks ! Je sais que vous êtes pas très forts en commentaires, dommage, mais bon...

Hall of Fame : Elvis Presley

Avec les poteaux virtuels d'Acclaimedmusic on vote toutes les semaines pour bâtir notre Hall of Fame maison. Chaque semaine on avance dans l'histoire (on en est en 1971). Cliquez ici si vous voulez jeter un coup d'oeil à ce que ça donne.

Elvis was the first inducted to the Acclaimed music forum's Hall of Fame, although his importance has been challenged by a growing number of oblivious people.

Logiquement, le premier lauréat fut Elvis Aaron Presley. Je dis logiquement, bien que y en ait pour qui l'importance capitale du King ne soit pas si évidente que ça.

Je ne suis pas le Pierre Ménès ni le Jean-Pierre Coffe du rock, mais là j'ai envie de pousser mon coup de gueule.

ELVIS EST BIEN LE KING, le premier , le seul

It's not my habit, but I'd like to shout it loud


ELVIS IS THE KING, THE FIRST, THE ONLY ONE.

Chez les anti-Elvis, on retrouve deux attitudes :

1) l'amnésie : Y en a plein pour qui l'histoire du rock commence vers 1965, avec les premiers albums des Beatles, de Dylan et des Beach Boys. Pour eux, les années 50 c'est trop ancien. J'ai même entendu dans une soirée où on passait "Hound Dog"un responsable de maison de disque dire "c'est qui, ça ?"

2) pire, le révisionnisme : Y en a d'autres qui considèrent Elvis comme une potiche, un opportuniste qui n'a jamais rien écrit, a tout piqué aux Noirs, une sorte de Justin Timberlake de 1954.


Some people, especially among the younger generations (born after 80 I would say) have the following reaction when asked about Elvis :

1) Amnesia : A lot of people think rock history started in 1965, with the first big albums by the Beatles and Dylan. In the US, radio stations are so specialized that you can only hear Elvis and 50's rockers on "oldies" stations. In France, at a party last year, athe DJ played "Hound Dog" and a friend of mine who works in a record company didn't know it was Elvis singing !

2) Worst, revisionism : as schleuse, one of my friends at AM summed it up, the key points are that :
a. He didn't write his own songs.
b. He was derivative of superior R&B artists.
c. He was a barely competent musician.
d. He was merely lucky enough to be in the right place at the right time.


Que répondre à toutes ces âneries ?

1) Qu'Elvis a tout simplement établi l'étalon du rock'n roll, en mariant blues et country music avec une pincée de pop. Qu'il était, en plus d'une immense icône (sa beauté, son glamour) un formidable artiste, un magnifique chanteur, un catalyseur plus qu'un inventeur. Tout ceci est fort bien résumé dans sa biographie sur AMG (en Anglais) que je vous recommande chaudement.

2) d'aller voir ce clip (désolé, c'est un peu risqué de poster une vidéo directement pour des artistes hyper connus, si je veux pas me faire sucrer mon post). Ou encore, de regarder cette superbe émission de 1968 où Elvis fait son come back de manière toute simple, en une espèce d'unplugged avec ses musiciens mythiques de Sun. Elvis tout entier incarne le mythe.
What can I tell to those people ?

1) That Elvis set the standards of rock'n roll by mixing blues and country music with a spoonful of pop. And more than that he was an icon, he was handsome and gorgeous, a great artist, a catalyser more than a pioneer. Take a look at his biography on AMG for more details. And more than anything else, he is the incarnation of the legend. And don't forget to listen to this !

PS : my favorite Elvis songs

That's All Right - Just Because - Heartbreak Hotel - Suspicious Minds - Hound Dog

Sorry for not posting anything here, but Elvis is the kind of artist that will get me in trouble with the record companies.

Album of the week : Dick Annegarn - Soleil du soir

(Avec etat-critique.com)

The Review / La critique

Le maquisard fantoche de la musique francophone nous a concocté, avec le guitariste Freddy Koella, un 18e album aux couleurs très folk-blues qui sied très bien à son univers inimitable.


Retour à la case départ ? Si l'on en croit sa maison de disques, les excellents Tôt ou Tard (qui sortent simultanément un Mathieu Boogaerts et un Vincent Delerm, rien que ça..), Dick était au bout du rouleau avant d'enregistrer Soleil du soir. Fatigué, en mal d'inspiration, il s'ennuyait tout seul à la guitare. C'est Vincent Frèrebeau, son producteur, qui lui a proposé de travailler avec Freddy Koella, musicien français exilé en Californie, guitariste régulier de Willie Deville et ancien accompagnateur sur scène de Dylan (et plus anecdotique, de feu Cookie Dingler). Les deux compères ont une passion en commun : le blues, le vrai. Celui du Delta. Dick, tricoteur émérite des six cordes, a appris en écoutant les grands du blues d'avant guerre, Skip James, Big Bill Broonzy ou Leadbelly. Freddy joue de la guitare, du banjo, du fiddle comme un vrai hobo du Mississippi.
Et l'alchimie a fonctionné entre les deux musiciens, à tel point qu'il a suffi de cinq jours d'enregistrement. Comme les vrais.
L'entente est parfaite sur la première chanson, "D'abord un verre", un blues traditionnel, ou Freddy rehausse de riffs légers de Dobro (cette guitare à résonateur métallique jouée en slide) le jeu très subtil de Dick et cette voix inimitable, chaude et enveloppante.
Le Hollandais n'a pas pour autant bouleversé son petit monde si particulier. On retrouve tout ce qui fait le grand Annegarn : son élocution inimitable, sa façon bien à lui de bousculer la langue française, sa poésie à la fois abstraite et riche de sens, et cette musique qu'il a joliment surnommé "fado des polders". Soleil du soir, un peu revêche d'aspect, n'est peut-être pas le disque idéal pour aborder Dick Annegarn (on lui préférera une compilation de ses premiers titres et le fabuleux Adieu verdure de 1999), mais reste un crû très gouteux, même si comme souvent certaines chansons comme Soldat peuvent paraître arides comme l'arrière-pays d'Essaouira où le chanteur réside à mi-temps.
La coloration folk-blues rappelle les débuts du chanteur, comme sur "Décadons"ou le morceau-titre. On est également proches de son premier album Tôt ou Tard, Approche-toi, lorsque les guitares sèches s'ornent de sections de cordes. C'est le cas de la chanson "Jacques", hommage à Brel, que Dick salue comme un maquisard. Comme Brel, il a un jour envoyé promener le show-biz pour prendre son maquis. Comme Brel, il s'est retiré du monde. Ses Marquises à lui, c'est la Haute-Garonne ou le Maroc. Il peut donc largement se permettre l'hommage, à sa façon bien sûr, un peu mystérieuse; car qui d'autre peut chanter "Des œufs sur pattes traversent l'enfer / Des femmes en nattes, les fesses en l'air" ? "Théo" est un autre hommage à un exilé du pays des moulins, Van Gogh. L'exil est d'ailleurs un des thèmes récurrents de cet album un peu crépusculaire, mais jamais pessimiste. Espérons que ce Soleil du soir ne se couchera pas définitivement, car sans Dick, la musique en Français aurait de faux airs de plat pays…

Dick Annegarn is my favorite living French pop singer though he's not french, but Dutch. He started in the early 70s, in the French folk scene around the American Center in Paris, and his music is both influenced by folk-blues and French chanson. See his biography here.
I reviewed his new album, Soleil du soir, a very bluesy record he cut in New York with Freddy Koella, a French guitarist who plays with Willie Deville. Dick, before recording felt tired and bored of playing the guitar, but his producer introduced him to Koella and they got along pretty well, cutting the album in three days. He dedicated a song to Jacques Brel, one of his masters, and another to Van Gogh. Like Brel, he quit the mainstream musical scene at the heighth of his success in 1980, only to come back at the end of the nineties. Like Van Gogh he left his country for the South of France.
The first song, "D'abord un verre" (First, A Drink), is a traditional blues. His lyrics are very poetic, and this song is about how music (and food and drink) can ease the pain.

Dick Annegarn - D'abord un verre (buy)

Bonus : Dick and the blues

Selon sa biographie, Dick aurait appris la guitare en écoutant Skip James et surtout Big Bill Broonzy. Ce dernier, grand (par la taille et le talent) guitariste de Chicago, plaque tournante du blues dans sa ville juste avant-guerre, avait enregistré en France en 1951 et 1954, et ces albums (où il joue seul en acoustique, spécialement pour le public blanc fan de folk alors qu'il enregistrait avec un orchestre avant guerre) étaient disponibles facilement en Europe, ainsi que les disques Folkways qui présentaient, entre autres, Leadbelly ou Sonny Terry et Brownie McGhee.

Although it is not his main musical style, Dick is very found of blues, especially folk-blues. He's a very good acoustic guitarist and his deep bass voice proves to be ideal for blues. He played live in 1980 with Robert Pete Williams, an ex-convict in Angola prison and 12-street guitar player, just like Leadbelly. In 2006 he could be seen at Les Nuits de l'alligator, a blues festival in Paris. He played a solo acoustic concert, alternatively blues standards and his own material.

Pas étonnant donc qu'il reprenne, en 1999, sur l'album Adieu verdure (son meilleur à mon goût), la chanson "Keep Your Hands Off Her", enregistrée à la fois par Big Bill en 1935 et par Leadbelly en 1944. C'est de la version de ce dernier, parue sur un album Folkways, que s'inspire Annegarn, avec une jolie partie de slide signée Marc Ribot.
Et puis juste après la version originale, plus dépouillée, de Leadbelly, pas mal non plus.

Here is his cover of "Keep Your Hands Off Her", a blues standard recorded by Big Bill Broonzy and Leadbelly, closer to the Leadbelly version, with Marc Ribot on slide guitar.
Then, the original version by Leadbelly.

Dick Annegarn - Keep Your Hands Off Her (buy)

Leadbelly - Keep Your Hands Off Her (buy)

The Good News

This morning I woke up and heard the good news.

Thanks to all Americans who voted for change ! Now there's a lot to do...

And, Mr. Obama, if you want a Secretary of State, think of Louisiana Red, who is still alive (he played last year in Paris with Dick Annegarn), and who's been dreaming about the job since 1962 !

Louisiana Red - Red's Dream (buy)